1. La pedagogía y los maestros de la Bauhaus
LA PEDAGOGÍA DE LA BAUHAUS
No se ha podido constatar una pedagogía propiamente dicha dentro de la Bauhaus ya que sus métodos para la enseñanza artística fueron el fruto de las diferentes individualidades de cada uno de sus maestros. Sin embargo, es indudable que revolucionó la enseñanza del arte y significó un cambio de paradigma dentro del sistema educativo, siendo determinante en el nacimiento del arte moderno.
Como has visto en el tema anterior, desde las primeras academias del Renacimiento la formación del artista, y la enseñanza del dibujo, se centraba en la copia, era una práctica habitual en la enseñanza artística. Para la formación de los artistas, hasta ese momento, la enseñanza del dibujo estaba claramente orientada a la representación del cuerpo humano. La Bauhaus no se basaba en la antigua academia sino que la suprimía, sus principios se basaban en la idea de que "el arte no puede ser enseñado". En ella la única posibilidad de dibujar la figura humana se ofrecía en las clases de “Dibujo de Desnudos” que impartía Johannes Itten, donde se buscaba más el ritmo interno de la figura, o las de Schlemer que se especializó en la enseñanza del dibujo de desnudos en movimiento o iluminados de manera inhabitual y donde se tomaban como modelos muñecos articulados. Pero en ambos casos se huía siempre del dibujo academicista. Era otra manera de aprender a resolver los problemas de la representación del cuerpo humano, menos exigente para el alumno.
El dibujo se planteaba, no como una técnica de habilidad visual y manual, sino como una herramienta de control del propio cerebro desarrollándose ejercicios orientados al adiestramiento de los lóbulos cerebrales y siempre íntimamente ligada al concepto de creatividad, como medio de transmisión los conceptos del arte abstracto.
EL PLAN DE ESTUDIOS DE LA BAUHAUS
En la Bauhaus no se hablaba de alumnos y profesores sino de maestros y aprendices. Sus enseñanzas se dividían en un curso de aprendices, un curso de oficiales y uno de jóvenes maestros. Su plan de estudios consistía en un curso preliminar que recibía el nombre de Vorkurs, donde se aprendían los principios básicos del diseño y la teoría del color. Al finalizar, los alumnos ingresaban en uno de los talleres donde se especializaban en, al menos, uno de los oficios.
- Curso preliminar: en él se estudiaban los materiales, las texturas, el lenguaje de la forma abstracta, el ritmo, el claroscuro o la teoría del color. A continuación se impartían clases teóricas sobre antropología, psicología del espacio o historia del arte, para finalmente entrar en los talleres. El resultado eran objetos de formas puras (circulo, cuadrado y triángulo) y colores primarios (rojo, azul y amarillo) donde el diseño se rige por la máxima de “menos es más” y donde cada uno de los colores y las formas, según la teoría de Kandinsky, tenía un funcionamiento óptico, fisiológico, en relación con la psicología de la Gestalt. En el Vorkurs se pretendía despertar las dotes de los alumnos y se les orientaba para su formación.
- Talleres: en cada uno de ellos se trabajaba, usando como base, un material diferente: taller de carpintería y de muebles, taller de cerámica, taller de encuadernación, taller de impresión, taller del metal, taller de publicidad y fotografía, taller de teatro y escenografía, taller de tejidos, taller de escultura en piedra y madera y talleres de pintura sobre vidrio y pintura mural. Los talleres estaban dirigidos por dos personas: por un lado el maestro de forma, responsable de la iniciativa didáctica, y por otro, el maestro de taller, encargado de la realización formal y dirección técnica del taller, así, las clases paralelas con un artista y un artesano ofrecían al alumno una educación más completa. En ellos los alumnos recibían una formación práctica y formal durante tres años tras la cual debían pasar su examen de artista. A través de este examen se elegía a los estudiantes más destacados.
- Los alumnos seleccionados, recibían cursos prácticos en las fábricas y obtenían su título.
Curiosidad
| La primera etapa estuvo marcada por una cierta nostalgia hacia el ideal
artesanal de la Edad Media e influida por ideas
sociales-revolucionarias, como refleja su manifiesto. En esta fase,
prevalecieron ciertos ideales románticos e irracionales y la Bauhaus se
asemejaba a una escuela de artes y oficios, más o menos modernizada.
Marcaron esta tendencia profesores como Johannes Itten, a cargo del curso preliminar, y Wassily Kandinsky o Paul Klee. |
| En la segunda etapa se acentúa la unidad entre el arte y la técnica y
la escuela se convirtió en un centro de producción cuyo punto fuerte
era el diseño de prototipos para la industria y la producción técnica,
quedando relegada la producción artística individual. En esta etapa el
profesor del curso inicial fue László Moholy-Nagy, un pintor constructivista que influyó poderosamente en este cambio de rumbo de la escuela. |
| En su tercera y última etapa la Bauhaus abandonó la idea de escuela de
arte y se inclinó hacia la satisfacción de necesidades sociales,
tomando protagonismo la arquitectura y debilitándose la influencia de
la pintura y los artistas. Josef Albers se hizo cargo del Vorkurs. |
Importante
La Bauhaus supuso el antiacademicismo, la disposición al experimento, la apertura hacia lo nuevo y la crítica a lo existente. Marcó un hito artístico, filosófico e industrial que aún perdura en la actualidad. Su empeño por aunar arte y técnica trajo una nueva forma de pensar y ver el mundo.
Para saber más
¿Quieres saber más sobre La Bauhaus? Si dispones de tiempo te recomendamos que veas este interesante documental sobre los orígenes, el pasado y el presente de la Escuela y su fundador Walter Gropius.
BAUHAUS DESSAU from S e n t i r A r k i t e c t u r on Vimeo.