2. Del arte tradicional al arte experimental

Durante el primer curso de Dibujo artístico has aprendido mucho. Normalmente, aprender a dibujar se fundamenta en la corrección del dibujo, del sombreado y claroscuro, de las proporciones, del punto de vista, y en definitiva en la imitación precisa de un modelo... y eso está bien.

Pero en este tema vamos a centrarnos los elementos que son los cimientos de las formas entendidos de un modo más amplio y más cercano a nuestra realidad moderna.

Nuestros antepasados de las cavernas nos dejaron constancia del uso del lenguaje visual, ya en las cuevas realizaron imágenes que aún perduran. Desde entonces, el uso de este lenguaje ha ido evolucionando y variando.

Cuando estudiamos la historia del arte podemos ver estilos definidos en el empleo del lenguaje visual, desde los sensitivos bisontes, los esquemáticos dibujos racionales egipcios, los idealizados griegos y romanos, los simplificados personajes de la edad media, etc. Hasta aquí nadie parecía querer dibujar y pintar lo que veían.

Es en el gótico y en el renacimiento cuando emerge esta preocupación, la búsqueda de unos sistemas como la perspectiva cónica, el esfumato o la perspectiva aérea, que se empleaban como una especie de truco que acercaba al artista a aproximarse a lo que el ojo ve. Después vendrían los logros del barroco con su interes por la luz y el espacio; más tarde, los realistas se acercaban a la realidad con gran virtuosismo y con la lección aprendida.

Fueron por fin los impresionistas, por primera vez, los que se quisieron alejar de trucos o convencionalismos del pasado, de la corrección del dibujo tradicional, de su modelado, del empleo del claroscuro como hasta entonces se hacía; aunque aún se interesaban por reflejar la naturaleza tal y como el sentido de la vista lo percibe, sobre todo atendiendo a las condiciones de luz y color con una precisa exactitud. Con esta idea rompieron con la actitud tradicional ante el modelo, y ello supondría un futuro lleno de cambios para el arte.