1.1. La visión anatómica desde de los primeros tiempos

Este tema está muy relacionado con el Canon, con las proporciones y en definitiva con los temas donde se trata la figura humana en cualquiera de sus aspectos.

En este apartado y el siguiente, te mostramos un pequeño recorrido histórico donde se relacionan la representación de cuerpo humano en el arte y el conocimiento de la anatomía.

En la prehistoria

Ya conoces las venus prehistóricas, podemos ver que son pequeñas esculturas concebidas no como la suma de partes, sino como un bloque, en ellas no existen extremidades, y como ya hemos visto en alguna ocasión, la cabeza se ve reducida a un simplificado volumen. Las caderas, los senos y los órganos reproductivos femeninos son las partes anatómicas de las que se tiene una especial conciencia en este mundo prehistórico. El resultado es una figurilla de entre 10 y 30 cm de alto bastante simplificada.

En esta imagen puedes ver la representación de una batalla. Se trata de una reconstrucción de los dibujos de un combate de arqueros pintado en rojo oscuro en Morella la Vella, provincia de Castellón, en el este de España. En el Neolítico era frecuente sintetizar la figura humana. La anatomía ha sido reducida a un símbolo convencional donde la abstracción predomina sobre el realismo. Curiosamente, ya no se volverían a ver pinturas abstractas hasta el siglo XX.

 Los egipcios

Más tarde los egipcios adoptaron una serie de convencionalismos que permitían adaptar las figuras a cualquier tipo de posiciones, de tal manera que sus pinturas reflejaran escenas de un modo muy descriptivo. El caso de los egipcios es muy curioso si analizamos como manipulaban la anatomía a su conveniencia:

Para empezar rompen las articulaciones, con lo que la apariencia de las figuras es un tanto irreal y antinatural, rompen cuellos, caderas, muñecas, etc. Esto permite que las figuras tengan puntos de vistas diferentes y mezclados (de frente y de perfil). A pesar de que los egipcios eran grandes conocedores de la anatomía humana, no olvidemos que practicaban el arte del embalsamamiento, no reflejaban en sus pinturas un análisis pormenorizado y detallado del cuerpo, sino que éste era reducido a líneas de contornos y un color de relleno que simboliza la piel, y que en el hombre es más oscuro y rojizo que en la mujer.

Ya has visto obras del arte egipcio en otras ocasiones; aunque el arte de las obras seriadas aparecería en el siglo XIX con la revolución industrial, podemos comparar estas obras con algo parecido a productos hechos con moldes, figuras compuestas de partes articuladas que pueden recordar a muñecos actuales, y es que los egipcios tenían absolutamente regladas y normalizadas las figuras que debían aparecer en sus pinturas y relieves. 

La anatomía que refleja estas obras es una anatomía simplificada y sencilla, no hay una preocupación por marcar y posicionar cada músculo o hueso, muy al contrario, se huye de detalles y accidentes que relacionen a las figuras como algo terrenal, y es que los egipcios buscaban el aspecto de lo eterno.

 Griegos y romanos

En la asignatura de Volumen de 1º de Bachillerato dedicamos un tema al Canon, que está muy relacionado con la manera en que es tratada la figura humana. Uno de los aspectos que considera el canon es el aspecto morfológico. Si quieres profundizar,  puedes echar un vistazo a dicho tema: Volumen. Unidad 4. Tema 4: El canon: Origen y modelo de la composición.

Como ya dijimos entonces, sabes que los egipcios consideraban a los dioses y divinidades como la perfección. Ahora, en una sociedad que gira sobre el hombre, el ideal de perfección se aplica al hombre, se intentará representar la figura humana en su máxima perfección y plenitud. Se persigue la máxima belleza y armonía. Estas ideas estaban vigentes en los matemáticos, filósofos de la época y en corrientes de pensamiento orientales.

Los griegos estudian las formas meticulosamente en cuanto a su morfología y disposición anatómica, efectivamente, los huesos, músculos, venas, tendones, etc. determinan el aspecto final de la figura, no solo se sitúan con toda corrección, sino que estas formas también responden a tensiones, flexiones o relajaciones de las distintas partes del cuerpo.

Al contrario que en las obras egipcias, las texturas se consiguen naturalizando las formas, no rellenando un contorno convencionalmente. Si nos fijamos en el pelo, aunque está muy adosado a la cabeza aún, presenta mechones organizados de un modo que tiende al naturalismo. Las formas y el pulido se realizan con la intención de recrear las partes más o menos blandas y el aspecto que ofrece la piel y el cuerpo en general. Las texturas aparecen muy homogéneas. 

Aunque se parte del estudio de la realidad, sin embargo, no se representan del modo más realista, sino que se racionalizan y se idealizan, eso si, siempre de un modo figurativo y naturalista. Las formas se despojan de cualquier aspecto negativo. Policleto, el autor del Doriforo que ves en la imagen de arriba, debió participar de los avances médicos y del cuerpo humano, la imagen de debajo corresponde al famoso Laocoonte, de mayor emocionalidad y movimiento.

Los romanos copiaron multitud de esculturas griegas, pero también realizaron las suyas propias. Los retratos a modo de bustos y cabezas fueron tratados de manera excepcional, tienden a reflejar el paso del tiempo en los rostros, son más realistas que los griegos presentando en cada uno la anatomía particular del personaje.

Puedes ver esta presentación si quieres conocer algo más sobre los retratos romanos.

Museo Walters

Museo Walters

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 En la Edad media

La vuelta a una sociedad teocéntrica, el cristianismo en este caso, hace que el interés por el desnudo y la observación anatómica para la representación artística desaparezca prácticamente. Las figuras humanas se representan vestidas o tapadas, es difícil encontrar algunos desnudos. En general, se pierde el interés por el realismo y se desarrolla un planteamiento narrativo-didáctico y simbólico más parecido al egipcio que al arte clásico griego. Puedes recordar en la Unidad 4 de Volumen estos aspectos apreciados en el canon medieval.

Observa y compara estas dos imágenes de la izquierda, la de arriba, del periodo clásico, pertenece a una reconstrucción parcial policromada del Sarcófago de Alejandro, obra realizada en un taller griego; la de abajo es una imagen que pertenece a un sarcófago del periodo románico de la Edad Media, se trata del famoso sarcófago de la condesa doña Sancha, del monasterio de Santa Cruz en Jaca, donde las formas se han simplificado, no como una síntesis que resulta de un proceso de análisis, sino como formas esquemáticas de un figurativismo resultado de la no necesidad de expresar belleza y el detalle anatómico.

Villar de Honnecourt fue un arquitecto del siglo XIII que propone algunos modelos para realizar imágenes geometrizando las formas. Aunque aquí puedes ver un crucificado, existía, como hemos dicho, una gran despreocupación por la figura humana desnuda, y por tanto por el establecimiento de unas reglas complejas racionales que dirijan la construcción de una anatomía detallada y realista. En el dibujo de la derecha puedes ver que las reglas proporcionales para construir figuras, aunque basadas en la geometría, resultan muy simples.

Puedes ver algún detalle más sobre el canon medieval en uno de los temas de  Volumen.